viernes, 15 de abril de 2011

JUMPSTYLE

EL "JUMPSTYLE" -
Nuevo fenómeno made in Bélgica

DANZA JUMPSTYLE

Reportaje Barcelona Dance

Mientras el fenómeno Tecktonik sigue imponiendose en los espacios de televisión del norte de Europa (principalmente en Francia, Bélgica y Holanda) siendo todavía la atracción mediática del momento, hace unos pocos meses surgió un nuevo estilo el "Jumpstyle".


El "Jumstyle" proviene del norte de Bélgica y de Holanda, donde algunos chicos adeptos de música techno FM, enseñaban algunos pasos en la calle antes de conseguir su notoriedad en Internet. El principal protagonista de este estilo se llama Patrick Jumpen, tiene 19 años.

Patrick Jumpen fue el primero para encender la mecha gracias a sus tutoriales publicados en "Youtube" y vistos por millones de internautas. Desde entonces la contaminación fue rápida, en poco tiempo el estilo "Jump" y sus adeptos "Jumpers" habían nacido para convertir el "Jumpstyle" en un baile oficial de megas discotecas de Bélgica tales como el "Complex" en Saint Nicolás o el club mítico "Cherrymoon".




Jump Parties Italia

El "Jumstyle" es el arte de bailar con los pies (o footsteps) tocando el suelo el menos posible. El estilo se ha propagado en el resto de Europa y contagiará seguramente a nuestro país en poco tiempo.

Mientras os proponemos algunos videos de youtube para que podéis prepararos a la invasión inminente del "Jumstyle" en nuestro país.

MELBOURNE SHUFFLE

EL "MELBOURNE SHUFFLE" - Estilo made in Australia

Estilo de baile de música electrónica "Techno-Trance" "Rave"


Rave - Melbourne Shuffle

Descripción y origen del "Melbourne Shuffle"

El "Melbourne Shuffle" es un estilo de baile que se desarrolló en la ciudad de Melbourne Australia. Es una de las varias danzas que emergieron durante la época "Acid House" de los años 90s. Algunos han descrito los estilos principales de la danza en ese período como el "Jacking" (ver danza "House"), Stepping, y el "Shuffling" (bajarar).

Sin embargo, con la evolución del género "Acid House" el baile al cual se asociaba, llegó a ser más diverso y diferentes pasos surgieron tales como: el "Back-step" (paso atrás) y el "Shuffle".


danza aerea



El estilo "Shuffle" tenía como origen los "Jumps" (saltos) y "Slides" (deslices) y evolucionó en las diferentes discotecas y en otras manifestaciones de Melbourne adoptando movimientos de baile ya establecidos como los "Hat tricks" (manipulaciones de gorra), "Spins" (giros) y "Running on the spot" (correr sin desplazarse).

En los años 80s, el "Melbourne Shuffle" se bailaba sobre la música "House" y "Acid House" a finales de los años 80s. Al principio de los años 90s la música "Trance" y más tarde sobre la "Minimal House" sobre los cuales los pasos se adaptaron. De hoy en día, los típicos "Melbourne Shufflers" (llamando a los que lo bailan) practican ese baile en los principales estilos y subgéneros de música electrónica que se fueron desarrollando a lo largo de los años: "Hard Trance", "Hardstyle", "Jumpstyle", "Hard House", "Psytrance", "Breakbeat", "Drum and bass", "Tribal House" y la "Techno". Aunque también los "Shufflers" pueden bailar en cualquier otro estilo de música.


El nombre "Melbourne Shuffle" fue difundido por los DJs y otros fiesteros extranjeros para describir el estilo de baile. Los australianos lo llaman ellos simplemente "Shuffle" y eso desde 1992. En las fiestas electrónicas "Raves" donde proviene el "Shuffle", no se suele bailar para competir o para ponerse en valor sino para pasarlo bien y expresarse a sí mismo. Bailar el "Shuffle" se alcanza generalmente mirando a los otros bailarines e incorporando variaciones en su propio estilo, por el cual se crea un estilo individual que representa una personalidad propia.

BUTOH: DANZA Y TEATRO

BUTOH: DANZA Y TEATRO

Ximena - danza butoh Barcelona Dance: '¿Cómo nació el butoh?'

Rosana: 'El Butoh nació en Japón a finales de los años 50 y principios de los 60. Más que una danza, el Butoh fue al principio un movimiento artístico, un acontecimiento que reunía distintas disciplinas: poetas, actores de teatro, pintores, bailarines.
El Butoh se inspiró en otras influencias artísticas tales como el dadaísmo, el surrealismo, y la danza expresionista alemana.'

Barcelona Dance: '¿Qué filosofía se esconde detrás del butoh?'

Rosana: 'Este arte que a través de conceptos como el 'vació'(mente en blanco) y ser el 'testigo' (observar lo que pasa en el cuerpo), expresa la vida y los cambios, hay canales de energías que se abren para realizarlos. La danza Butoh en si misma es una danza espiritual.'


Butoh Inre Thormann Barcelona Dance: '¿Cómo llegó en Europa?'

Rosana: 'Al principio el Butoh fue una arte muy marginal. No aceptado en Japón, varios artistas emigraron de Japón hacia Francia, Alemania y a los Estados Unidos para buscar apoyo y enseñar esta disciplina.

En España estamos todavía un poco 'atrás' respecto a dichos países, en cuanto a nivel de conocimientos del Butoh. Existe una escuela de Butoh en Dinamarca y otra en Zaragoza, aunque es un arte muy difícil enseñar especialmente de forma académica.'

Barcelona Dance: 'Cómo definirías el Butoh?'

Rosana: 'En mi opinión para ser capaz de bailar el Butoh, se requiere cambiar de mentalidad, abrir canales de energías, definitivamente 'cambiar el chip'. El Butoh es mucho más que expresión corporal y pintarse la cara de blanco. Yo lo definiría como un compromiso con el crecimiento espiritual. El Butoh es sobre todo un trabajo espiritual, es un camino hacia interior de si mismo, que la persona ha de recorrer para poder bailarlo. Puedes dedicarte al butoh, ser un butohista sin ser un bailarín.

Existen diferentes tendencias en la expresión de este arte. Cada bailarín proporciona más énfasis en una parte específica como en la línea teatral, la expresión de la metamorfosis, en la expresión vocal, en la meditación, el movimiento corporal involuntario, etc. En resumen, creo que el Butoh se puede definir como 'danza-teatro' pero con una gran carga terapéutica.'

DANZA AEREA

DANZA AERÉA - DANZA VERTICAL

Bailar Volando...

danza aerea
Volar, un viejo sueño que también se ha convertido en una realidad para artistas y bailarines de nuestra época. El arte de derivar y desplazarse en el aire, el placer de una nueva sensación de libertad defiendo la gravedad y es un placer que comparten en muchos espectáculos y películas de cinema desde "Little Dragon" en lo cual se desarrolló técnicas para combinarlas con los artes marciales.

Todas aquellas técnicas combinadas se han ido incorporando a los espectáculos de teatros y de conciertos para ofrecer al público otro concepto visual y empujar a los límites conceptuales del espectáculo en general. El desarrollo de esta tecnología incluyendo los avances a nivel de efecto de focos y de luz ha contribuido dar otra dimensión y una nueva imagen al circo tradicional para el placer de todos los ojos. danza aerea

Origen de la danza aérea

La danza aérea fue creada por la coreógrafa Brenda Angiel. Primeramente creó espectáculos que recorrieron el mundo y luego codificó los movimientos para generar una técnica y un método de enseñanza. Más de 8000 persona han experimentado la danza aérea a través de cursos dictados en Argentina y en el exterior.

La danza aérea es una nueva forma de expresión donde el cuerpo en suspensión se expresa. El recurso técnico utilizado son sogas (estáticas y elásticas) y diferentes tipos de arneses.



Con la incorporación de un motor, el concepto coreográfico se cambió radicalmente, el bailarín tenía que responder al movimiento iniciado por la maquina, y adaptar su centro de equilibro así como su orientación en el espacio. Desde 1999, en los E.E.U.U. tiene lugar el "Aerial Dance Festival" con una programación talleres, actuaciones y foros de discusiones y que juntan bailarines, gimnastas y artistas de circo.

Esta manifestación es la oportunidad para todos los aficionados de la danza aérea de compartir sus trabajos e ideas y descubrir los desarrollos técnicos y tecnológicos.

Pautas de formación a la danza aérea

Creación de situaciones o sensaciones creadas para el espectador
• Interrelación con los coreógrafos y escenógrafos
• Adaptabilidad de los espectáculos a los espacios físicos dispuestos
• Conceptos de seguridad en general
• Arneses tradicionales, especiales o diseños exclusivos
• Materiales de seguridad, mosquetones, mallones, cables, sogas, etc..
• Anclajes a estructuras, paredes o columnas y otros. Física de triángulo de fuerza
• Nudos, para anclajes personales, grupales, aparejos y polipastos. Prácticos sobre la base de puntos fijos
• El equilibrio
• Péndulos
• Impulsos propios y ajenos. Puntos de apoyo
• Balanceos
• Rotaciones
• Caminatas
• Giros laterales o verticales
• Saltos con elásticos
• Imágenes estáticas solistas o grupales
• Tirolesas (desplazamientos horizontales) tensado de las mismas (aparejos y polipastos)
• Nudos especiales y acciones con ellos
• Esquema de entrenamiento físico aéreo
• Prácticas con arneses de vuelo especiales y vestuario
• Diseño de muestra grupal orientado a danza aérea
• Preparación física en fuerza, elongación y equilibrio

TANGO

tango

El origen del Tango


El origen del Tango es una danza popular de los suburbios de Buenos-Aires y de Montevideo que apareció al final del siglo XIX. Las influencias europeas eran entonces fuertes en Argentina y como antepasados del tango, se encuentran el Milonga y el Candombé, la Habanera sobre los cuales se añaden las danzas de sociedad de Europa de aquella época.


La mayoría de los inmigrantes hacia Argentina eran hombres jóvenes que rápidamente habían hecho de sobrepasar desde luego la populación de muchachas jóvenes. Entonces les pareció necesario llegar a ser buenos bailarines para ganar los favores de las muchachas y en particular en establecimientos donde era posible alquilar la compañía de las camareras para bailar... o más en algunos casos. Por ello la danza Tango nació y evolucionó según los intercambios de técnicas de conducción y de figuras que los hombres realizaban en ausencia de escuela de danza.


El tango, baile de dos tiempos, se denota no obstante por la posición más acercada de los bailarines y sobre todo por el papel de interpretación por parte de los bailarines y bailarinas (improvisación, suspensión). A pesar de la desaprobación de la burguesía argentina respecto a esta danza juzgada como demasiada sensual y provocante, el tango seguía siendo bailado por las clases sociales más modestas hasta el final del siglo XIX.




El segundo nacimiento del tango tiene lugar al principios del Siglo XX, cuando cruzó el Atlántico. Su éxito fue rápido en Europa y en particular, en París donde obtuvo la legitimidad que le faltaba en Argentina y expandirse a través el resto del mundo. Hoy en día el Tango representa unas de las danzas de competición las más importantes y apreciadas.

 






DANZAS DE INDIA

 

Danza Bollywood - Bhangra - Danzas Clásicas



La danza Bollywood y el Bhangra

danza india La industria cinematográfica hindú, la más grande del mundo, está basada en Mumbai (antes Bombay). Abundancia de colores, frenesís de música y de danza, con altos melodramas son los elementos característicos de las películas hindús actuales cuyo género es más conocido con el nombre de "Bollywood" cual fue luego asociado a un estilo de baile.

Inspirado sobre todo en la música de la industria "Bollywood", el estilo de danza se puede considerar como una nueva danza popular, muy activa en la sociedad hindú moderna. Con la llegada y la influencia creciente del cine, la cultura de "discotecas", la danza "Bollywood" se convirtió en una necesidad social como nunca antes y también en una manera simple de imitar a los protagonistas de cine. Al origen, las películas utilizaban el baile folclórico o el baile clásico. Sin embargo, con la influencia de las danzas de otras culturas, el cine "Bollywood" desarrolló su propio estilo de danza.

Las coreografías compuestas para las canciones en las películas utilizan todas las formas posibles de danza para crear una forma popular. Algunas coreografías de película son un magnífico amalgama de movimientos complejos que vienen del baile clásico y que alterna con movimientos modernos coreografiados. La danza "Bollywood" más que una moda se puede considerar con una verdadero desarrollo de la danza en India.

Las clases de danza consisten en un estilo expresivo que pueden fusionar el estilo de danza clásica de la India con estilos Árabes, Latinos, "Bhangra" y Funky / Hip Hop.

La danza "Bhangra" es una danza popular que tiene como origen la región del "Punjab" en la India del norte. La música "Bhangra" se caracteriza por su gran rítmica con los típicos "dhol". La música "Bhangra" se ha remezclado con otros tipos de música tal como el Hip Hop, el R&B, el House, la música Latina y ha llegado a ser extremadamente popular en el Reino Unido y en otros países.

La danza clásica India

danza bollywood La danza clásica Hindú tiene siete distintos estilos de bailes, tomando también sus raíces en distintas regiones aunque la influencia del sur de la India es predominante:
- Bharata Natyam - Tamil Nadu
- Kuchipudi - Andhra Pradesh
- Odissi - Orissa
- Manipuri - Manipur
- Mohini Attam - Kerala
- Kathak - Nord de l'Inde
- Kathakali - Kérala


La mayoría de estos estilos nacieron en el "Tamil Nadu", el "Andhra Pradesh", el "Kerala" que son estados del sur. Los otros estilos nacieron en el "Orissa" y el "Manipur":

Es el contenido espiritual del baile clásico que hace su originalidad. La mayoría de estos estilos nacieron en los templos, y solamente se practicaban en estos como medio para venerar o hacer ofrendas a los dioses. Con el tiempo el baile clásico entró en la vida social.

Por supuesto, la práctica del baile clásico exige ensayos de los más rigurosos. El baile clásico en India es una herencia que se transmitió de generación en generación desde los tiempos inmemoriales, y hoy en día, aún se encuentran expertos que mantienen la tradición y transmiten sus conocimientos a las nuevas generaciones.

BODY PERCUSION

BODY PERCUSIÓN (PERCUSIÓN CORPORAL)

La percusión corporal es el arte de crear sonidos de percusión tales como aplaudir, silbar y golpear ligeramente los muslos y el pecho usando exclusivamente movimientos y partes del cuerpo. Se puede también hacer uso, a veces de cosas del alrededor, para llamar a la puerta o emitir sonidos de golpes de sillas etc.

 

LOS CUATROS PRINCIPALES SONIDOS

Los cuatro sonidos de la percusión corporal son tradicionalmente:
El "Stomp": Estampar los pies contra el suelo o una superficie resonante
El "Patsch": Acariciando el muslo izquierdo, derecho o ambos muslos con las manos
El "Clapping": Aplaudir las manos juntas
El "Click": Con el pulgar y los dedos medios.







la percusión corporal se puede realizar en si sola o como acompañamiento de una canción. Las tradiciones populares de muchos países (particularmente África) incluyen el uso de la percusión del cuerpo. Como los instrumentos de música, muchas técnicas para crear sonidos se pueden aplicar al cuerpo humano: golpear, raspar, frotar o sacudir para producir vibraciones. Además el cuerpo tiene una multitud de posibilidades únicas de crear sus propias percusiones y sonidos, incluyendo el uso del aire inhalado o exhalado y de los sonidos vocales. La percusión corporal (Body Percusión) esta muy relacionada con la danza ya que se puede encontrar en el Claqué, el Flamenco, la danza Contemporánea, la danza Hip Hop y muchos más.

EL CLAQUE

 

La historia del Claqué

danza claque El Claqué o "Tap Dance" en inglés es un estilo de danza de teatro americano, distinguido por el uso de la percusión con los pies, marcando precisamente patrones rítmicos contra el suelo. El origen del Claqué se encuentra la danza irlandesa el "Jig Dance", la danza inglés el "Clog Dance" y algunos movimientos de danza africana.


Durante el siglo XIX, los esclavos de los Estados Unidos del sur combinaron estos estilos para fomentar otros estilos folklóricos más modernos como el "Back-and-wing" y el "Clogging sur Estadounidense" (ambos se solían bailar con suelas de cuero).

Los bailes de los esclavos fueron adaptados por los teatros en 1828 a través de Thomas "Daddy" Rice y de sus actuaciones "The Jim Crow acts", primer show de "Minstrel" (género teatral estadounidense) protagonizado por un personaje negro.

danza claque
Al final del siglo XIX, dos técnicas fueron introducidas en los espectáculos de malabares y dentro de las típicas actuaciones realizadas en los barcos (los "Showboats"), la primera: una técnica de danza rápida bailada con suelas de madera: el "back-and-wing" el estilo protagonizado a duo por Jimmy Doyle y Harland Dixon. La segunda técnica realzaba el uso de suelas de cuero, más suave, popularizada por el famoso George Primrose.

Es a partir de los años 20 que una placa de metal ("Taps") fue añadida a las suelas de cuero y durante los años 20 y 30, son los bailarines afro-americanos quienes contribuirán al desarrollo de nuevos estilos de claque. Estos se hicieron famosos gracias a sus actuaciones acrobáticas y a menudo satíricas.

John Bubbles fue reconocido por su estilo de claqué más lento y más sincopado. Los grupos de bailarines más conocidos durante aquella era, incluyeron "Slap and Happy" (Harold Daniels and Leslie Irvin) y "Stump and Stumpy" (James Cross and Harold Cromer).


danza claque


Mientras la música jazz proporcionaba una complejidad rítmica adicional, Bill "Bojangles" Robinson se convertió en el bailarín de Claqué más famoso de América. El estilo fue ampliado durante los años 30 y los años 40, cuando bailarines tales como Fred Astaire, Paul Draper, Ray Bolger y luego en los años 50, Gene Kelly añadieron movimientos de Ballet o de danza moderna. Ellos juntocon Eleanor Powell y Shirley Temple convirtieron la danza claqué en un elemento fundamental del llamado "Sueño Americano".
 


A pesar de su fama en los Estados Unidos, el Claqué provocó una gran polémica especialmente de parte del público Afro-Americano ya que el Claqué era la representación inicialmente de una mofa de los primeros esclavos. Por este motivo, muchos Afros-Americanos protestaron el renombre del Claqué que se bailaba, y que incluso hasta los años 60 contuvo referencias irreverentes a la esclavitud afro-americana.


Durante los años 70 y 80, el Claqué experimentó un resurgimiento gracias en parte a un artista Afro-Americano, Savion Glover, quien popularizó el Claqué para otra generación revolucionándola para incluir ritmos de Hip Hop y el de Rap. Glover fue bautizado por los medios americanos, como el "hombre quien salvó al Claqué".

EL CLAQUÉ EN PELÍCULA

Muchas películas utilizaron el claqué para proporcionar el ambiente de alegría, el llamado "Slap-Happy" preconizado por el nuevo ideal americano de aquella época. Algunas de las películas más famosas que incluyen la danza claqué son:
"Brigadoon", "An American in Paris", "All that Jazz", "The Band Wagon", "Pennies from Heaven", "The Little Colonel", "Swing Time", "Hooray for Love".
En Broadway, el claqué se difundió en los teatros a través de grandes espectáculos tales como ""Black and Blue" and "The Cotton Club".




 

DANZA AFRICANA

 

Características de las danzas en África



danza africana
En las sociedades tradicionales africanas, los acontecimientos se consideran como el asunto de todos, incluso si afectan más concretamente a tal individuo o a tal familia. Así existen distintos métodos para un individuo que consisten a expresar y exteriorizar lo que siente, la comunicación y la expresión están vinculadas de muy cerca.

Estos métodos resultan en una codificación de los medios de expresión. Estos comportamientos son codificados por normas que se integran desde la infancia. Los medios posibles son la música, los gritos, las palabras y las danzas, a los cuales se añaden a menudo materiales como plásticos ó otros por la presencia de máscaras y de distintos accesorios.

Las danzas en África son numerosas e distintas en las cuales corresponden a la diversidad y la multiplicidad de las regiones, de las etnias y a los diferentes países de África. Cada país de África se basa en una gestual y diferente rítmica para expresar cosas tan esenciales como el sentido de la vida. La danza es la manifestación del alma que se exterioriza de todas las situaciones personales o colectivas y así permite interpretar figuras vivas, difuntas, de animales o totémicas. La danza es en general dedicada a un ritual, a una tradición o a una divinidad.


Danza africana: descripción y estilos


danza africana Es una danza que se practica con los pies desnudos, con pasos deslizados o arrastrados, golpeando en lo tierra, con las rodillas dobladas y la espalda curvada (posición típica africana).

Se utilizan los golpes de manos, los gritos, los saltos y los movimientos de ondulación también. Es una danza que requiere una gran agilidad del cuerpo. Las especificaciones son:
Para los hombres: las acrobacias y los saltos.
Para las mujeres: los pasos deslizados con una gran agilidad de las caderas y posiciones siempre muy dobladas. La fauna inspira mucho estas danzas y consisten en una imitación de los animales. Por ejemplo: la danza del "conejo", esta danza se interpreta en "círculo" junto con solistas en el centro.


La observación y la imitación de los animales generaron toda una gama de distintas danzas (a veces sólo se trata de una marcha o de un movimiento específico) en las que encuentra a lo largo de la evolución de la danza jazz como el: "Fox-trot" el trote del zorro, "el Grizzly-bear" el oso Grizzly, "le Funky chicken" el pollo alegre, "el Buffalo" el búfalo, "el Turkey-hot" el pavo caliente, "Pigeon Wings" las alas de paloma, el "Bunny Hug" el besito del Conejo, "el Camel Walk" la marcha del camello, que inspiraron a James Brown y luego a Michael Jackson para tomar finalmente el nombre de "Moonwalk". La danza africana es centrífuga, como la danza jazz, en que va girando de las caderas para estallar hacia el exterior.

CAPOEIRA

BAILAR CAPOEIRA

Origen de la Capoeira



La Capoeira
La Capoeira es un arte marcial brasileño que encuentra sus raíces en los métodos de combate y las danzas del pueblo africano del tiempo de la esclavitud en Brasil. Hacia finales del siglo 16s, centenas de esclavos llegaban al norte de Brasil, en los bosques de "Palmares" para estar sometidos a trabajar para los blancos.

Los esclavos estaban guardados en campamentos escondidos llamados "Quilombos". A raíz del tráfico de esclavos de ésta época se expandía en todo el norte de Brasil un arte claramente relacionado con la lucha de los negros por la libertad: la Capoeira.

El origen de las técnicas de la Capoeira se sitúa en Angola, una antigua colonia portuguesa. Se solía conocer una forma muy similar en todo el Océano Índico bajo el nombre de "Moringue" desde hace varios siglos, tanto en los gestos como en los ritmos. La Capoeira es un arte marcial que requiere mucho el uso de los pies debido a que los esclavos solían estar encadenados por las manos.



Al principio de la Capoeira, los movimientos eran muy cercanos al suelo (inspirados de los movimientos de los felinos) pero con la llegada de pueblos orientales con sus propias técnicas de arte marcial, la Capoeira desarrolló los golpes de pies y numerosas acrobacias. Sin embargo, no se sabe exactamente cuándo y dónde se practicó la Capoeira por primera vez a como lucha sin armas.
La Capoeira

La Capoeira - una forma de arte subversiva

Mucha gente lo considera como arte marcial, otros como danza, y allí los que creen que es su religión e identidad cultural. La descripción de Capoeira varía según las personalidades de la gente. Es una palabra de origen indo-brasileña dada a una perdiz pequeña cuyo varón esta conocido por ser muy celoso y se engancha a luchas feroces con sus rivales. La Capoeira mezcla elementos de la danza, de la música, de los rituales, de la acrobacia, y de la lucha. Sin embargo, en Brasil, la Capoeira es considerada más que nada como un juego.
La Capoeira

 

 

La Roda

Cuando se realiza la Capoeira, se suele hacer un círculo de gente, llamado roda (Rueda en brasileño). Se suele tocar música, y cada uno canta y aplaude mientras practican recíprocamente dos participantes en el centro. Referente a la música, el instrumento principal se llama el "Berimbau", es un instrumento fabricado con un palo de madera, un alambre tensado y una calabaza hueca que hace de cuerpo de resonancia.


También se utiliza un tambor llamado un "Atabaque" y un "Pandeiro" (pandereta).

La roda es la parte más emocionante de Capoeira. El juego de Capoeira requiere el uso de la intuición y de la previsión y no confía solamente en el uso de la fuerza física. Durante el juego los capoeiristas exponen hábilmente las limitaciones de sus opositores y enganchan a ataques juguetones y a contra-ataques que se permiten así mejor descubrir su energía personal. El desafío para el jugador es armonioso, junto con un flujo de gran alcance del equilibrio y la flexibilidad de las acrobacias, la tolerancia y la fuerza de la danza, la velocidad y la astucia de la lucha, y los ritmos de la música son los elementos

FLAMENCO



La danza y la guitarra son una consecuencia de la aparición de los espectáculos. Al principio, el canto es un asunto de hombres, las mujeres interpretaban la danza sobre todo. La búsqueda de los orígenes de la danza es tan compleja si no más que la de los cantes ya que sufrió ciertamente otras influencias.

La danza, lengua universal, cuyo alfabeto gestual se limita, evolucionó y es imposible decir con certeza a qué fuentes los intérpretes se inspirarón precisamente. Sin embargo, es posible, a pesar de todo, detectar en la danza flamenca tres influencias principales: Oriental y gitana; Folclórica y popular; Académica o clásica.




flamenco sevillanasEl flamenco nace en la región meridional de Andalucía como una forma de arte con raíces profundas muy antiguas dentro de una comunidad marginal y hostigada, en la que convivían gitanos, árabes, cristianos y judíos. En el siglo XVI se sumaron los ritmos de la población negra , que hacía escala en el puerto de Cádiz, antes de irse hacia las plantaciones americanas.

Aunque tenemos algunas pistas en cuanto y como la danza y música tradicional se desarrollaron, los detalles se pierden en la historia incluso el origen de su nombre es evasivo. Algunos lo atribuyen a los "courtiers" flamencos durante el reinado de Carlos V de España al principio del siglo XVI. Sus ropas brillantes inspiraron los nombres dados a las cosas chillonas y ostensibles. Otros dicen que el flamenco - todavía refiriendo a los flamencos - era la nacionalidad dada erróneamente por el pueblo a los gitanos. Otros todavía revindican el nombre como origen del árabe "fellah mangu" - el trabajador que canta.

Al origen, el flamenco no es más que el medio de expresar sentimientos profundos más bien que un espectáculo. La danza flamenca expresa estos diferentes sentimientos humanos tal como el dolor y la alegría, el amor y despecho, la calma y la desesperación representados por medio del movimiento. El bailarín del flamenco se realiza con la pasión, el fervor, incluso con expresiones torturadas pero siempre esforzándose para la tolerancia y dignidad.
 

Las características de la danza:

El flamenco es un arte que nunca ha dejado de evolucionar como danza sobre todo individual. Nació como danza " introvertida " en espacios reducidos, sin muchos desplazamientos, con una gran economía de gestos, con movimientos apretados dirigidos generalmente hacia abajo.

La danza flamenca está en oposición total con las danzas europeas clásicas extravertidas y dirigidas en sentido opuesto. Como el jazz americano, el baile flamenco implica la improvisación y la expresión espontánea del bailarín con las emociones del momento.

El intérprete controlará también las distintas técnicas de pies: "punteado" - "desplante" - "taconeo".

La danza masculina y femenina difiere en sus actitudes y las técnicas. La primera favorece el zapateado y el segundo el braceo. Las inclinaciones de cajón, ondulación de caderas y temblor de los hombros se dejan a las mujeres.

DANZA CONTEMPORANEA

 

Historia y filosofía de la danza contemporánea



baile contemporaneo La danza contemporánea se desarrolla a partir de final del Siglo XIX y tiene tantas definiciones que existe de coreógrafos, bailarines, profesores e incluso de alumnos ya que quiere ser sobre todo libre de todo código. Como su nombre indica, debe ser "Actual" y pertenecer al cuerpo que juega con su movimiento que mantiene a conciencia.

La terminología "Danza contemporánea hizo su aparición en 1976. Esta danza tiene como principal objetivo una total expresión del cuerpo, y de crear nuevas clases de danzas con lo cual todo está permitido para obtener una determinada estética. En general, la danza contemporánea se reconoce como una corriente libre de la danza.

Según Dominique Boivin, coreógrafo francés, la danza contemporánea es "su propia gramática, su propio vocabulario, su propia lengua". Rechaza la tradición, no es la tradición, no tiene tradición. La "danza moderna", que ha traído la danza contemporánea de hoy nació en occidente de una denegación de las normas demasiado rígidas de la danza clásica. También nació de una voluntad de encontrar otro cuerpo que la infligida por el trabajo de fábrica. Los precursores de la danza moderna son americanos y alemanes, se puede citar por ejemplo a Loïe Fuller e Isadora Duncan. Es cuando se suprime la gramática del baile clásico, que es necesario inventar otros. Cada coreógrafo, cada bailarín tiene su propia lengua, su propio estilo.

La danza contemporánea crea una ruptura con la práctica de creer, de pensar,de representarse. Desde la danza moderna, que chocó al principio al público por sus trajes, sus movimientos fluídos, libres y continuos, la danza contemporánea quiere ser una clase de alternativa de la representación del mundo, una reflexión, un cuestionario de los sentidos. La danza contemporánea rompe también algunas estéticas: por ejemplo, mientras que estamos acostumbrados a que se baile "sobre" la música, el coreógrafo americano Merce Cunningham trabaja con sus bailarines y con su amigo músico John Cage, sobre el "no acuerdo" entre la música y la danza.

danza contemporanea La danza contemporánea no se cierra sobre sí misma, ella no duda en mezclarse con otras artes, como la imagen, la música, el teatro, la literatura, etc.. Este trabajo de composición es el fruto de encuentros entre coreógrafos y otros artistas, que tienen el deseo de mezclar sus conocimientos y técnicas.

El espectáculo de danza contemporánea, como en todos los espectáculos, pide al espectador una apertura de mente, como un viaje hacia otra parte. Cada acontecimiento bailado es un encuentro, entre un coreógrafo, bailarines, espectadores - niños y adultos, entre diferentes imaginarios y sensibilidades.

Libre, Lúdica y Creativa, exige también una técnica que se define por el reconocimiento luego por el control de las leyes de la naturaleza: el espacio, el tiempo - la energía - la gravedad, elementos fundamentales.

Disciplina del cuerpo y del espíritu, la danza contemporánea es colectiva y despierta la habilidad de escuchar a los demás, mientras la utilización de músicas variadas, para acompañarla, permite desarrollar una sensibilidad musical.

Es también un fabuloso camino de educación, y por su creatividad una puerta abierta hacia el autoconocimiento.

BALLET

Historia del Ballet y terminología

ballet

LA DANZA CLASICA o BALLET

La danza clásica nació en el siglo XV en Italia y fue difundida gradualmente al resto de Europa y en diversos países. El origen del ballet puede ser considerado durante la época del "Renacimiento".


Catherine de Médicis quien pertenecía a una familia importante de Florencia fue la primera en introducir los costumbres de las fiestas italianas con sus tipos de baile. Desde entonces, se desarrolló lo que conocemos como Ballet o Danza clásica en la corte de Francia tras la conversión en reina de Francia de Catherine en 1547.


Después de su éxito en Francia en los lugares públicos, el ballet empezó a llegar a otros países de Europa introducidos por los bailarines franceses y luego en el resto del mundo. Paris se convirtió entonces en la capital mundial de la danza clásica.


El ballet consistía en danza, música, canciones y a veces en poemas. Las actuaciones tenían lugar en los jardines o dentro de los castillos. A comienzos de siglo, las mujeres consiguieron un papel cada vez más importante en el ballet. Los hombres usaban zapatos con tacones platos y trajes livianos que facilitaban sus movimientos.


La danza constituye la base de muchas danzas profesionales con sus técnicas de colocación y de base, las cuales se vuelven a encontrar en la danza jazz y en otros tipos de danza. Los términos del Ballet son más conocidos en el idioma frances. Debajo encontrarán los más usuales

Danza del Vientre - Oriental - Tribal

 

ORIGEN Y DESCRIPCIÓN DE LOS DIFERENTES ESTILOS DE DANZA ORIENTAL



danza oriental Bellydance El nombre de "danza del vientre" fue atribuido por los occidentales en el fin del siglo 19 por los soldados y tropas francesas para designar el tipo de baile visto en los clubes que frecuentaban durante sus descansos.

En día de hoy, ese nombre peyorativo, inventado por ignorancia, se refiere al "Raks Sharqui", danza profesional oriental nacida en Egipto en los años 50 sobre la influencia de coreografías occidentales con estática Hollywoodiense.

Hace muy pocos años que la danza "Raks Sharqui" fue reconocida como "danza" propia internacionalmente.

La base viene del folclor del Medio Oriente en el que tiene como punto en común la flexibilidad de las caderas en los bailes, una combinación de movimientos fluidos y secos. Sin embargo en la danza tradicional, el Raqs baladi, que proviene directamente del folclor, es un solo femenino, un tipo de danza "blues" que expresa la nostalgia del país (Beled) por la vida ciudadana. El Sharki es un estilo creado por los cabarets que tiene muy poco que ver con los orígenes de la danza de los países de Medio Oriente

La danza oriental ha sido conocida en Occidente gracias a la Exposición Universal de Chicago de 1893 por "Little Egypt" y empezó entonces a difundirse en los Estados Unidos. La danza oriental influenció a la danza contemporánea a través del trabajo de Ruth St Denis y se convirtió en moda en el Occidente hasta el día de hoy. danza del vientre

En árabe, se llama « Raks Sharqui » (literalmente: danza oriental) y en turco « Oryantal dansi », que dio el término de danza oriental. Se reconoce como una de las danzas más antiguas del mundo sobre todo en los países del Oriente Medio y del Magrebí (Egipto, El Líbano, Turquía, Marruecos, Argelia...).

En el sentido estricto, se trata de danzas sabias, realizadas por bailarinas profesionales, ALMEES, aun que no sea claro si una Almee bailaba o solo cantaba en los cortes del Oriente. Las verdaderas profesionales, bailarinas de calle y de los "clubs" fueron las GAWAZYA, que hicieron parte de grupos ambulantes de músicos y animadores, probablemente de origen gitano.

En Egipto, « ghawazi » significa invasor o extranjero, y es cierto que los gitanos siempre han vivido en la periferia de las ciudades y al margen de la sociedad. Todos los gitanos del mundo tienen un origen común, la India.

En sentido amplio, el término designa la danza oriental bajo todas las formas que se conocen hoy.

La danza oriental cuyo arte expresa a la vez toda la feminidad, la vitalidad y la sensualidad, pero no es la exclusividad de las mujeres. Los mejores maestros, bailarines y coreógrafas de Egipto son los hombres. La danza clásica Egipcia se realizó en un escenario con Mahmoud Reda y sus célebres coreografías para el cine y para escenario. Es el fundador del ballet nacional del Cairo.

danza oriental Bellydance
La danza del vientre es única en su clase. Existen varios estilos, dependiendo del país de origen (como la danza de Velo). De manera general, esta danza se caracteriza por la flexibilidad y la sensualidad de los movimientos. Además, esta compuesta por ritmos tan trepidantes como lascivos.


La práctica de la danza oriental, hizo su entrada en Europa y América en los cabarets en medio de los años treinta y cuarenta. Desde aquella época, y sobre todo desde los años noventa, esta danza ha conocido un desarrollo fulminante en todo el mundo.

BAILES DE SALON

Los Bailes de Salón



baile de salon Chachacha, Tango, Fox Trot, Two Steps (Pasos Dobles), Quick Step, Charleston, Vals de Vienés o Inglès, Madison, Polca, Rock, Lindy Hop, Jive, Boogie, Twist, Swing, Rumba, Salsa, Merengue, Lambada son los principales estilos que se pueden encontrarse en las danzas de salón:

El Vals Vienés

El vals tiene como origen el Tirol (Austria) y conquistó su rango de nobleza en Viena en siglo XVIII cuando se introdujo en el Ballet y en las óperas. Produjo en primer lugar grandes escándalos, debido a que las parejas bailaban entrelazadas. No obstante, se impuso rápidamente como la danza de sociedad de referencia en los "Ballrooms" internacionales, desalojando la Mazurca o la Polca. El Vals de Viena tiene como principal particularidad, además de su tempo rápido, el tipo de baile sobre dos pasos aunque sobre una música a tres o cuatro tiempos.

El Vals lento o Vals inglés

En el siglo XIX siglo apareció una segunda forma de vals paralelamente a los vals de Viena. Al principio del siglo XX los vals evolucionaron hacia el estilo de Vals Inglés, más lento (se habla también de "Vals Lento"), una versión creada por los maestros anglosajones de la danza a partir del estilo "Boston". El Vals Ingles está basado en una mayor variedad de figuras comparado al estilo vienés y además es en este estilo que predominan las competiciones de bailes de salón.

Madison

Madison es una danza muy valorada en los bailes o en fiestas de sociedad. Es simple de acceso y se baila en grupo, cada uno intentando sincronizarse al grupo.

El Paso-Doble (Two steps)

El paso-doble es la danza española por excelencia (aunque se pueden encontrar también orígenes mexicanos). El estilo Paso-Doble (2 Steps) se refiere claramente a la corrida, mezclando acentos de flamenco.



 

BARCELONA BAILA SALSA 2010






Salsa  

Este festival se ha celebrado la segunda edición del congreso BARCELONA BAILA SALSA los días 5, 6 y 7 de Marzo de 2010. Se desarrolló en un inmejorable entorno, el recién inaugurado HOTEL W (vela) situado en el barrio de la Barceloneta, muy próximo a la playa de San Sebastian

El congreso empezó a calentar motores el jueves 4 con una pre-party en el 'MOJITO' club.


Barcelona Baila Salsa

Finalizó con un dj de calidad, que claramente conocía la trayectoria del hip hop: mezclando old school con new school junto con beats y scratches. Viva el hip hop y el Snap Festival. ¡Bravo Kane y gracias por los esfuerzos de todos y todas!

Continuó el viernes 5 con una fiesta en la discoteca ICARUS. Sábado y domingo hubieron talleres por la mañana y por la tarde de las diferentes disciplinas salseras: Salsa on 2, cha-cha-cha, lambada, salsa cubana, bachata, estilo femenino y masculino,& impartidos por los mejores profesionales de la ciudad (Ray Pradell, Oscar y Susana, Evelyn, Txiki y Sabrina, David y Gemma, Salsa del Barrio, Sandra Camargo&).

También hubo exhibiciones de las escuelas y sábado noche shows espectaculares y concierto del grupo BLOQUE 53, que se salieron. Los salseros pudieron disfrutar de baile social a cargo de Dj Ned y Dj Martín, al acabar el concierto de BLOQUE 53.

SALSA

Desde los años 30, se sucedieron olas de músicas latinas procedente principalmente de Cuba en intervalos casi regulares (todos el 20 años aproximadamente). La primera fue la Rumba, el segundo fue el Mambo y el Cha-cha-cha. El estilo más reciente es La Salsa, nombre lanzada en los años 70 por los cubanos y los Puertorriqueños en Nueva York para anunciar una nueva tendencia más revestida con más cobres, más urbana y más sofisticada.






El término no significa simplemente una mezcla de danzas latinas en la jerga cubana, una mujer que tiene "salsa" es una mujer con sensualidad.

Se encuentran distintas corrientes de bailarines de salsa, las dos esenciales son de origen puertorriqueño y de origen cubano respectivamente. Dentro de estas mismas corrientes, se encuentran matices: la Salsa con el primer paso sobre el "1" de la música o con el primer paso sobre el "2" llamada Salsa "on 2". La "Rueda" es también una manera de bailar La salsa en grupo de bailarines (a menudo dispuestos en círculo).

EL BOLERO


El Boléro se baila sobre temas de música lentos y lánguidos, cercanos a la Rumba y pueden bailarse de distintas maneras. Una de ellas utiliza mucho las figuras del tango, pero con un paso de base diferente.








Al parecer, las raíces del bolero están en los compases de la contradanza del siglo XVIII. También son identificables en el género algunos elementos rítmicos en formas de composición que aparecieron en el folclore cubano durante el siglo XIX, como el danzón y la habanera. Precisamente esta última presenta una gran afinidad rítmica con el bolero.

En 1793 ya se reporta la existencia de los primeros cantantes que, como Javier Cunha y Nicolás Capouya (éste último no dejó composiciones escritas), componían canciones con ciertas similitudes con el bolero, tanto musicales como temáticas.

LA SAMBA

La Samba es originaria de Brasil y forma parte integrante de la cultura brasileña. Los carnavales de Río por ejemplo están completamente basados en ella. De hecho las escuelas de Samba pasan todo el año preparando el siguiente carnaval. La Samba es también muy popular en occidente donde se introdujo en los años cuarenta y forma parte desde entonces de las danzas deportivas.






La samba se desarrolló como una forma distintiva de música en los inicios del siglo XX en Río de Janeiro (entonces capital del Brasil), bajo la fuerte influencia de los inmigrantes africanos del estado brasileño de Bahia. El título "escuela de samba" ("escola de samba") se originó durante el periodo de formación de este género. A pesar de las semejanzas entre la samba y el jazz, la samba no proviene del jazz y tiene diferencias notables en sus orígenes y línea de desarrollo.
"Pelo Telefone" (1917), de Donga y Mauro Almeida, es generalmente considerada la primera grabación de samba. Su gran éxito trajo al nuevo género fuera de las favelas. Quién creó la música es inseguro, pero probablemente fue obra del grupo alrededor de Tia Ciata, entre ellos Pixinguinha y João da Bahiana.


En el inicio de la década de los '80, después de haber eclipsado su popularidad con la llegada de la música disco y el rock brasileño, la samba reapareció en el medio con un movimiento musical creado en los suburbios de Río de Janeiro. Era el pagode, una samba renovada, con nuevos instrumentos - como el banjo y el tantan - y un nuevo lenguaje que reflejaba el modo de hablar de mucha gente en ese entonces. Los artistas más populares fueron Zeca Pagodinho, Almir Guineto, Grupo Fundo de Quintal, Jorge Aragão y Jovelina Pérola Negra.

La samba es extremadamente popular en Japón, especialmente en sus formas más tradicionales; tanto que algunos sambistas como Nelson Sargento, Monarco, y Wilson Moreira han grabado específicamente para el mercado japonés y empleado mucho tiempo en giras en este país.

Hoy en día, la samba aún es uno de los géneros musicales más populares de Brasil.


miércoles, 13 de abril de 2011

MAMBO

El mambo es una danza de origen cubana (aún que se pueden encontrar también raíces haitianas), derivada de la Rumba, conoció (y conoce aún) un enorme éxito en los Estados Unidos (allí ocurrió una verdadera "mambomania" al final de los años 40). No obstante, el Mambo es bastante difícil de bailar y cedió rápidamente lugar al Cha-cha-cha como danza latino americana de referencia. Los temas del Mambo más conocidos son seguramente: "Mambo Italiano ", "Papa Loves Mambo ", o "Mambo n°5"


El mambo se desarrolla originalmente a partir del danzón, ritmo que por esa época predominaba en el panorama musical cubano, pero pronto evoluciona hacia un tempo más acelerado. La interdependencia creciente entre músicos y bailadores hizo posible que la percusión fuera adquiriendo poco a poco un papel cada vez más predominante. De igual forma, los arreglos orquestales de Dámaso Pérez Prado, que dirigía una orquesta de formato jazz-band, le aportaron un sonoridad nueva, sin precedentes hasta entonces, donde se fusionaban elementos del jazz norteamericanos en los metales y los ritmos afro-cubanos en la percusión.



El mambo se baila siguiendo un ritmo sincopado, mezcla de música africana, hispanoamericana y jazz. Se marcan los cuatro tiempos, con movimientos fuertes y frecuentes flexiones de las articulaciones de pies y brazos. Muchos pasos tienen una fuerte entidad africana, en el sentido expresivo. Este es un baile "fuerte" que requiere velocidad de pies y mucha energía.